LA IDENTIDAD DE UN ICONO

 

No es el izado de la bandera norteamericana en una remota isla japonesa, ni es el rodaje de una película de Clint Eastwood en Iwo Jima. Esta semana pasada se ha derribado por parte de los radicales catalanes el último toro de Osborne que quedaba en Cataluña. «Ni un atisbo del becerro de oro debe de quedar en pie de los ritos egipcios«, tuvieron que pensar como el pueblo elegido de Moisés el radical grupo de los denominados “Hermandad catalana la banderas negras”. Y a hurtadillas y en la clandestinidad de la noche derribaron la silueteada valla taurina. “Ni la bandera roja y gualda, ni la camiseta del merengue, ni los leones de la Cibeles, pueden amancillar la soberanía de nuestro clan” piensa estos nacionalitas radicales, pues “ya tenemos suficiente conflictos internos como decidir la autoría de nuestro ruc (burro)”.

 

Si, nuestro burro, idea de cuando dos jóvenes de Banyoles, Jaume Sala y Álex Ferreiro en el 2004 decidieron fomentar esta ilustre raza de la provincia de Gerona convirtiéndola en una pegatina identificable de los vehículos catalanes, como respuesta a todas esas pegatinas del toro que han hecho identificable a la España cañí. Pero ahora un juez decide la autoría de este nuevo icono equino, frente a su diseñador grafico Eloy Alegre. Pero, que importa este “pleiteillo” si ya estamos armados dos pueblos con sus escudos de armas, como los antiguos griegos. Ya tenemos señas de identidad, (y no son las de los republicanos norteamericanos con su elefante, ni los demócratas con su burro) y sabemos a que clan o casa pertenecemos por nuestras insignias de armas.

Y si, éramos pocos, el País Vasco no podía ser menos para sumarse a estas insignias adhesivas para el trasero de nuestros coches, y ahora se sacan de la manga la ovejita vasca llamada “Ardilatxa”. Si no tenemos un arca de Noé, será porque en España ya tenemos nuestros propios músicos de Bremen. Si viajas a Euskadi y ves como miles de coches llevan una pegatina de esta simpática oveja junto a la matrícula, no pienses: «están locos estos vascos», simplemente es la última moda del tunning euskaldun. Todo comenzó cuando un grupo de amigos de Tolosa viajó a Cataluña y descubrió la pegatina del famoso burro catalán, como alternativa al toro de Osborne. Medio en broma, dieron forma a lo que hoy es Ardilatxa y de la que ya han distribuido más de 150.000 pegatinas por toda la geografía española e incluso fuera de nuestras fronteras. Aunque muchos piensen que se deben estar forrando, ellos aseguran que es una entidad sin ánimo de lucro y que destinarán todo el dinero que obtengan a actividades para promocionar la cultura vasca. Así que si quieres poner una Ardilatxa en tu coche, de momento sólo se venden en establecimientos en Euskal Herria, pero puedes comprarla online en packs de 5 pegatinas por 5 euros. Está disponible en negro y en blanco.

 

Si quemar una bandera, no mas que un símbolo, lo hemos convertido constitucionalmente en un delito, derribar una valla publicitaria no lo constituye y menos por un denominado “banderas negras” sirva la paradoja. Eso si, si esta rompe el paisaje o distrae a los conductores, o su reproducción que la empapela, es sexista y hace de la mujer un objeto de deseo gratuito, será desmontado, desinstalada y retirada. Es mas, hace 10 años que esta valla dejó de ser valla publicitaria por una sentencia del Tribunal Supremo, para convertirse en patrimonio “de interés estético o cultural” de nuestro paisaje. El toro este noble animal, que ha sido parte de la cultura mediterránea, también sirvió para ser icono identificativo del rey Minos o del dios Baal de lo cananeos. Más hacia Oriente, sigue siendo hoy la vaca sagrada símbolo de deidad y fertilidad tal como Apís en el antiguo Egipto.

Hace poco, a finales de Julio de este mismo año 2007, la comunidad de monjes hindúes de Inglaterra se produjo un conflicto entre la ley de sanidad, ante un caso de tuberculosis en un toro llamado “Shambo” y el carácter sagrado que se le infiere a este bóvido su religión, para que no fuera sacrificado por los veterinarios. Esta claro que seguimos adorando unos al becerro de oro, otros a una bandera negra, e incluso otros a la pegatina de nuestro coche. Pero, si no hubiera sido el toro de una famosa bebida de Osborne, hubiera sido un conflicto entre la ya olvidada valla del «Tío Pepe» contra la pegatina del cava catalán. Javier Navarta

 

 

 

 

EL ARTE COMO LENGUAJE

De que el Arte es un lenguaje para comunicar lo incomunicable por las palabras, es un hecho de la cual la historia nos da ingentes ejemplos de ello. Desde los tiempos más remotos el ser humano ha tenido multitud de recursos expresivos para relacionarse y comunicar sus sentimientos a los demás. Desde las pinturas rupestres, desde la danza mas primitiva, o las percusiones mas simples para crear músicas, hasta que se estableció el lenguaje oral o escritos mas elaborado. Estos últimos, al final han predominado y se han fijado como los recursos mas común y universal entre los hombres; pero no olvidemos que conceptos mas abstractos, profundos e inexplicables, han sido posible de plasmar, extraer y materializar por medios de otros lenguajes mas sutiles y recurrentes para expresar sentimientos y conceptos mas elaborados; a través de la música, la danza, la pintura, etc.

Cuando es carente un lenguaje para expresar un concepto, utilizamos otro que facilita su comunicación. Por ejemplo, cuando ya nos faltan palabras para describir a un ladrón o asesino en la policía, se recurre a un retrato robot para identificarlo. ¿Se imaginan un libro de botánica o de anatomía, o aun peor, un libro de viajes solo con palabras?, pues si los hubo,¡ pero que carente de comunicación o entendimiento inmediato¡ Cuando se inventó la radio, se plantearon muy seriamente si seria posible retransmitir un partido de fútbol simplemente con la narrativa oral del locutor; parecía imposible, pero hoy son muchos los aficionados que siguen este evento a través de las ya clásicas ondas de radio. Esto demuestra la reciprocidad que puede tener los distintos mensajes con los distintos medios para llegar al receptor. Cuando nos faltan las palabras para explicar a un amigo de otra provincia como llegar a nuestra casa, recurrimos ha hacerle un croquis de las carreteras o del pueblo o del barrio, por donde acceder a nuestro domicilio. Cuando queremos demostrar nuestro estado de ánimo de alegría bailamos o tocamos, si sabemos, un instrumento. No hace falta decir con palabras que estamos contentos, es tan obvio, que no reparamos en ello. Las manifestaciones artísticas son un espejo de nuestro estado de ánimo, así una misma interpretación dramática puede denotar en los espectadores, si el actor tiene un buen día o no, según como a interpretado en esa función el mismo papel.

La versatilidad del Arte hace que podamos expresar desde un grito (el grito de Munch) a un terror (“Saturno devorando a su hijo” o “Aquelarre” de Francisco de Goya).

 

Dolor, cuando un exiliado Picasso que sorprendido por la prensa en Paris, se entera del vil bombardeo de Guernica y decide plasmar esa sin razón en un cuadro que ha contado mas que toda la tinta vertida en los periódicos del mundo o al dolor expresado en los cuadros de Frida Kahlo por sus múltiples operaciones y perdida de su hijo no nato, podía haberla contado en un diario escrito, pero nunca serán tan expresivas ni visuales a su opción por ser expresada plásticamente en vez de manuscritamente. Amor, otro concepto tan abstracto y sutil que ríos de tintas se han gastado para expresar este puro sentimiento pero yo elegiría dos: uno expresado con la arquitectura y otro expresado con la música.

 

El primero nos transporta a la India clásica, en el siglo XVII, cuando el emperador musulmán Sha Jahan, manda construir el Taj Mahal, el mas bello mausoleo en honor a su esposa favorita Mumtaz Mahal.

 

El segundo es el compositor ingles Edward William Elgar, Rodeado de partituras e instrumentos en el negocio de su padre, el joven Edward comenzó a experimentar la música por su cuenta. En los días cálidos del verano, llevaba manuscritos al campo para estudiarlos (era un apasionado ciclista). Así comenzó una fuerte asociación entre música y naturaleza. Como diría más tarde,

«Hay música en el aire, música alrededor nuestro, el mundo está lleno de ella y simplemente tomas la que necesitas»‘

A los 29 años, a través de su actividad como profesor de música, conoció a Caroline Alice Roberts, hija de un general, y autora de poesía y prosa de ficción. La desposó tres años después contra los deseos de la familia, dándole como regalo de bodas la breve pieza para violín y piano «Salut d’amour». Javier Navarta

 

Sir Edward William Elgar, compositor británico que nace el 2 de Junio de 1857 y termina sus días el 23 de febrero de 1934.

 

 

El león que quiso ser ratón

Recientemente he leído por internet una noticia que me ha llamado la atención. La noticia informa de un descubrimiento arqueológico acaecido en Suecia, donde se ha encontrado una estatuilla con un espectacular parecido al famoso ratón, creado por Walt Disney en 1928, Mickey Mouse. Lo sorprendente es que se trata de un objeto vikingo del año 900 d.c. Un broche que sería utilizado seguramente por una mujer como adorno.

Todo esto me ha venido a recordar y a reflexionar sobre una pregunta de extrema importancia para el Arte Universal: ¿cómo vemos? y ¿cómo entendemos lo que vemos? Es decir, pensar sobre el concepto de lo que es la «Representación» en el Arte y en la Cultura Visual.

A primera vista, advertimos que la palabra «Representación» puede dividirse en dos partes «Re-presentación». Es decir, es volver a presentar algo que ya está en la realidad. Como artistas, miramos a la realidad que nos rodea cuidadosamente, selectivamente y después «representamos» esa realidad en una imagen visual.

La cuestión, entonces es ¿qué es una «representación»? ¿es un reflejo de la realidad? ¿una imitación o copia de la realidad? ¿o bien es una construcción de la realidad? Efectivamente, me quedo con la última cuestión. La «representación» es una interpretación de la realidad, algo que media entre la realidad y el objeto. En última instancia, cambia la realidad a través de la interpretación.

Y ¿porqué nos afanamos en cambiar la realidad de alguna forma?

Todas las culturas, todas las sociedades construyen la realidad del modo que se ajuste a sus necesidades. Cada una tiene una interpretación diferente de la realidad, es por ello que representan la realidad de acuerdo a su contexto. El resultado de todo esto es que la «representación» crea un sentido del mundo, una interpretación de la realidad diferente en cada cultura.

De este modo, el significado de un objeto es específico de cada sociedad. El significado de la representación de una vaca en España es muy diferente al que pueda tener en la India, donde es un animal sagrado. Así, cada sociedad va a construir, interpretar y mediar con su realidad a través de representaciones que serán específicas para cada una. La representación creará un significado distinto según sea su contexto.

Todas las imágenes visuales funcionan dentro de un sistema, y si entiendes el contexto de dicho sistema, entenderás el significado de sus representaciones o imágenes. Todas las imágenes son sustitutos de la realidad. Todas las imágenes funcionan como códigos. Los códigos tienen significados y tenemos que entender esos significados. ¿Cómo lo hacemos?

Las imágenes visuales son como el lenguaje, como las palabras que funcionan dentro de un sistema. Cuando vemos al ratón Mickey, reconocemos su forma, sus proporciones, sus colores…(denotación), pero también lo identificamos con Walt Disney, su creador, con un parque de atracciones, con nuestra niñez, felicidad, amigos, etc…(connotación o significado). Es decir, con su contexto. Si has nacido en un poblado de África, seguramente al ver la imagen del ratón Mickey no genere el mismo significado que tú tienes de él, no comprendas dicha imagen. Las imágenes que nos rodean conllevan un proceso de aprendizaje, organizan nuestra realidad, nos la hace accesible y entendible, nos la construye. Nos educamos con las imágenes dentro de una sociedad y cultura determinada.

En el 2004, tuvo lugar una exposición en Escocia que causó gran revuelo. Era una exposición colectiva de unos alumnos de la escuela de Bellas Artes. Uno de ellos, Alan Bennie, realizó una obra titulada «Mickey’s Taliban Adventure» (Las aventuras del Mickey Talibán). En ella aparecía un ratón Mickey subido a un avión y dirigiéndose directamente hacia las torres gemelas.

El significado del ratón Mickey en esta obra cambia radicalmente al que tenemos normalmente de él. Ahora Mickey representa al americano transformado en su propio enemigo. Las torres gemelas (representadas de modo humano por la inclusión de ojos) parecen temer el inminente ataque y se doblan para escapar de él. Los que vivimos en el mundo occidental, entendemos perfectamente esos iconos y lo que se quiere representar con ellos.

Por supuesto, la estatuilla vikinga no intentaba representar al ratón Mickey. Según el arqueólogo que la encontró, Jerry Rosengren, se trata de la «representación» de un león. Esto nos sorprende, porque somos incapaces de ver algún atisbo de parecido con un león, no podemos dejar de pensar en el ratón Mickey cuando vemos ese broche. Nos es imposible escapar a nuestra cultura, al significado de las imágenes con las que nos hemos educado. Pertenecemos a ella sin escapatoria. Pero tenemos parte de razón, porque según este arqueólogo, seguramente el artista que talló este objeto tan atrayente para nosotros nunca viese un león en su vida y se basase, bien en definiciones de otros, bien en su propia interpretación fantasiosa para su elaboración.

La «representación» de este león anónimo nos llega, 1100 años después, travestido en ratón famoso. Aunque, pensándolo fríamente ¿alguien puede decirme en qué se parece Mickey a un ratón?

Al final, tenemos una estatua que representa un león que no se parece aun león y un dibujo que representa a un ratón que no se parece a un ratón. Para que luego digan que el Arte imita a la naturaleza. El Arte sólo se imita a sí mismo.

Chema Navarta.

Piedra de Leche

A lo largo de mi vida, el Arte me ha enseñado muchas cosas, me ha mostrado cosas que difícilmente podrían definirse con palabras y este hecho podría considerarse una definición de Arte en sí. Un ejemplo de ello fue cuando conocí la obra de Wolfgang Laib y sobre todo su obra titulada Milkstone (Piedra de leche, 1975). Con esta obra aprendí que el Arte puede ser el mejor medio para hablar de la Delicadeza.

La obra está compuesta de dos elementos: por un lado la piedra y por otro leche. Una piedra blanca, cuadrada, cuya superficie superior está lijada de tal forma que crea una hendidura a modo de cuenco casi imperceptible a simple vista. Este espacio sustraído al cuadrado es rellenado cuidadosamente por la leche.

A primera vista parece imperceptible la leche, creyendo que se trata simplemente de un trozo de mármol al modo minimal. Pero una vez que te acercas y ves de lo que realmente está recubierta la superficie, te das cuenta de la delicadeza de esta obra. Logrando unir en perfecta comunión materiales tan alejados y diferentes.
La interacción del público con la obra, por sutil que sea, puede generar el accidente del derrame del líquido, ya que éste está milimétricamente ocupando el espacio cedido por la piedra. Ello te hace recapacitar cómo la mano del hombre es capaz de romper, casi sin darse cuenta, el equilibrio con la naturaleza.

Hasta el 16 de julio es posible ver un retrospectiva de Wolfgang Laib en el Museo Nacional de Arte Reina Sofía.

Chema Navarta.

BUSCAR LAS DIFERENCIAS

Acróbata y joven equilibrista obra de 1905 que se encuentra en la actualidad en el Museo Pushkin de Moscú, es una composición clásica de la época rosa del genial malagueño Pablo Ruiz Picasso.
A primera vista, nos parece contemplar una escena melancólica del mundo de la farándula, un plano seleccionado como si de cualquier escena exótica elegida por Gauguin de la Polinesia Francesa. Pero una contemplación más aguda de esta obra, nos sumerge en un juego de infinitos contrastes, de contraposiciones, de diferencias y antagónicos conceptos que solo la genialidad de su autor podía concebir. Yo puedo empezar a jugar, pero nunca terminaría de encontrar sus cuantiosas contraposiciones. JN

Un hombre / una mujer.
Persona mayor / persona joven.
Ella frágil / él rudo.
Persona sentada / persona en equilibrio.
Un cubo / una esfera.
Ella traje frío / él traje cálido.
Ella brazos arriba / él brazos abajo.
Ella brazos abiertos / él brazos cruzados.
Él primer plano / ella segundo plano.
Ella con mangas / él con sisa.
Ella sonríe / él serio.
A su izquierda de ella dos figuras humana / él un caballo blanco.
Ella la diagonal superior / él la diagonal inferior.
Cubo blanco / esfera negra.
Cubo cubierto por trapo / esfera sin cubrir.
Ella de frente / él de espalda.
Ella inestabilidad / él quietud.
Ella viste de blanco y negro / él de color.
Ella sobre el valle / él bajo la montaña.

 

etc., etc.

LA GRAN ZAMBULLIDA

 

Ningún cuadro narra mejor que este, un simple acontecimiento. Se titula La gran zambullida y fue realizado por el artitas pop David Hockney en 1963. Sabemos lo que ha sucedido, y cómo, con solo contemplar esta imagen. El fondo, las palmeras y la arquitectura minimals de la casa, nos sitúa en un lugar californiano De hecho si sabemos que en la biografía de su autor, realizó esta obra cuando se mudó a California. Una sola silla, el cielo raso azul y la piscina llena, nos sitúa en verano. Los colores limpios, planos y uniformes se contraponen con las caóticas pinceladas del agua salpicando. Su composición parece beber de Mondrian al encajar tan técnicamente los elementos, aunque sean tan naturales como las palmeras estas se nos presentan rectas y paralelas, pero el autor contrapone a toda esta exactitud, la mancha de Pollock cuando tiene que resolver la eclosión de agua que produce la zambullida. Alguien que vive en la casa y que estaba sentado en la silla, acaba de sumergirse en el agua, desde el trampolín. No sabemos quien es, si es hombre o mujer, joven o viejo, da igual, no es importante; solo sabemos de él, el agua restada de Arquímedes que sube por un instante a los cielos. Fimografia afin: El nadador (1969) J.N.

Supongo que a veces no hay suficientes piedras

 

 

 

La película Forrest Gump, (1994) repasa a través de los ojos del personaje de Tom Hanks, la historia mas reciente de Estados Unidos. Su co-protagonista Robin Wright Penn, en su papel de Jenny que es victima desde pequeña de los malos tratos de su padre. Al cabo de los años ella vuelve a ver la casa donde vivió su maltrecha infancia y no puede evitar cargar su furia tirándole piedras, hasta caer abatida al suelo de impotencia. La voz en off de Forrest Gump asiente: “Supongo que a veces no hay suficientes piedras”. Es aquí, cuando con un plano magistral, el director de fotografía Don Burgges, hace un guiño a una de las obras pictóricas más emblemática americana: “Christina´ World” del artista Andrew Wyeth.

En principio puede parecer una clásica reminiscencia de “Las amapolas” de Claude Monet, o “El ángelus” de Millet. Pero tanto la una como la otra, pertenece a otro continente, a otro siglo y a otro concepto de entender la pintura. Su reminiscencia comparativa mas afín, la encontraríamos en la obra de Edward Hopper, sobre todo en su místicos lugares y de misteriosos significados. Nos hace preguntarnos que historia hay detrás de cada personaje plasmados en sus lúgrubes o solitarios espacios y afinando encontraría entre su extensa obra, una titulada “House by the Railroad” que parece guardar la misma pregunta: ¿Quién habita allí?

 

 

 

Pero detrás, de su singular misterio la encontramos otra respuesta aun mas emotiva en el reverso del lienzo: Cristina es una niña paralítica, vecina del pintor, que se pasaba buena parte del día el el campo tendida, para recoger flores.

 

Javier Navarta

 

 

EL TRONO DE MOON-WATCHER

 

Emblemático diseño de mobiliario de Oliver Mourgue, que sirvió de atrezzo a la insigne película a Stanley Kubrick 2001 una odisea del espacio. Sigue siendo un referente actual, como por ejemplo en la última portada del disco de Fangoria.

 

 

 

El mueble Pop en la historia del arte, esta ligado al movimiento artístico Popart. El Popart es el término acuñado por el crítico inglés Lawrence Alloway para designar un movimiento que se desarrolló desde finales de la década de 1950 hasta comienzos de 1970, sobre todo en Gran Bretaña y los EEUU, y que se apoyaba en la imaginería del mundo del consumo y de la cultura popular. Historietas ilustradas, anuncios, envases e imágenes de televisión y del cine forman parte de la iconografía de este movimiento, un rasgo distintivo del Popart fue el rechazo a cualquier diferenciación entre el buen gusto y el malo.

 

 

Our Gods

Esta obra infográfica es de Xiao Xian Liu titulada: “Our Gods”, y contrapone dos iconografías de dos grandes religiones y del mismo modo, acentúa es estas dos imágenes contrapuestas, las grandes ideologías que nos separan a las dos culturas: oriente y occidente. Si por un lado una hace del dolor y el sufrimiento su exaltación religiosa, otra convierte las reflexiones místicas de un iluminado, en un icono voluptuoso y rebosante de felicidad. Una, que en su origen prohibió la representación plástica de su único Dios para su idolatría, bajo el monte Sinaí, es esta la misma que, siendo monoteísta, ha subido a los altares a un sin fin de de santos, vírgenes y cristos a los que tallan sin cesar los imagineros, veneran a sus imágenes y posesionan su vía crucis. Otra, que honran a su profeta, un desheredado príncipe Siddharta que desnutrido por sus ayunos, busca en su interior el Nirvana, ha ido degenerando en representación de fornido bonachón pletórico de bienestar. Una, nos convierte en desconsolada plañidera que se compadece de su sufrimiento. La otra, nos invita a compartir su eufórico y complaciente felicidad. Esto nos hace pensar que los mismos resortes de compasión o mimética felicidad, nos conducen por igual a ser inevitables adoradores de la imagen. Pero, que mejor imagen que la del arte para adorarla sin rendirles culto, penitencias, ni pleitesías. Posiblemente Xiao Xian Liu a conseguido esto, y mas en su obra, pues nos invita a pensar y comparar en estos dos primerísimo planos, el resumen de dos culturas y dos religiones, que al final, dejan de ser iconografías religiosas en versus, para convertirla en obra de arte.

Filmografia afín a esta obra: “La ultima tentacion de Cristo” y “El pequeño Buda”

Javier Navarta

Empezar a caminar por el blog

Javier Navarta

Chanclas, 2005
92×73 cm.
Técnica mixta sobre lienzo.